Formation : [A] : tenor & double bass
[B] : mezzo-soprano & percussion
[C] : bass & clarinet
[D] : barytone, saxophone & cymbalum
[E] : soprano, accordion & theorbo (also E-git)
[F] : Soprano
Program Notes : This piece begins a vocal cycle called « En Absence », initiated by a will of investing myself personally even more in my work. With the help of this unusual formation, I wanted to evoke the feelings experienced long after grief, and mostly the sense of losing physicality of your loved ones memories. Is there only a subsistent trace, or does this trace has become a deeper part of our personality, our daily routine, without being able to process it?
To try to answer those questions that I find asking myself very frequently these days as ten years have passed since I lost my parents, I tried to break out the musical discourse by using instrumentarium spatialisation as a means to orchestration, allowing me to imagine new solutions, but also to create a coherence through balancing varied textures.
Hubert Haddad’s text seemed an evidence to me while first reading it. Its fragile beauty and the choice of a theme originally from The Book of Esther felt appropriate for a piece about the appropriation of memories. On top of that, its immediate musicality as well as my choice not to use a text directly related to grief convinced me quickly. I used the voices as characters that pass a text to each other fluidly, to meet again in unexpected ways.
This piece is dedicated with the greatest friendship to Christine Fischer and Sébastien Boin, who offered me their trust for realizing this beautiful project, alongside three other wonderful composers.
Links : https://eclat.org/terminleser-eclat/eclat-2020-14.html | http://opera.marseille.fr/programmation/l-opera-invite-les-matins-sonnants/impuls
Formation : Violin
Links : https://soundcloud.com/augustinbraud/anach-2015-jeanne-marie-conquer-ensemble-intercontemporain
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Formation : Piano
Program Notes : [FR] Cette courte pièce fut composée à l'occasion de la cérémonie d'inauguration de la revue scientifique du CRIHAM, Tierce. Une simple idée, un seul accord, est distordu et saturé par l'agrégat de notes adjacentes, remplissant ainsi l'espace sonore et altérant sa nature.Trois parties structurent la pièce: l'instabilité initiale de l'accord, le brouillage harmonique d'un trille multiple, et enfin la polarité relative autour d'une note. La création de cette pièce est confiée à Thierry Gasset, que je remercie, au même titre que Cécile Auzolle, pour son soutien et sa confiance.
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Formation : Piano
Program Notes : [FR] Contrecoupé est une composition constituée defragments jouables de manière indépendante mais cependant non interchangeables dans le cadre d’une interprétation de l’intégralité de la pièce. J’ai en effet tenté de créer une certaine dramaturgie formelle malgré la durée très réduite (45’’ - 1’15’’) des moments musicaux. Ces derniers partagent tous une idée harmonique commune, cependant translatée dans différents contextes, plus ou moins consonants, denses ou bruités. La notation rythmique très précise n’est en rien absolue; il s’agit d’un guide à lire horizontalement afin de guider le legato. À l’exception de passages indiqués staccato et sans pédale, cette pièce est à jouer avec beaucoup d’expressivité, afin de lier les différents fragments à la forme globale. [EN] Contrecoupé is a work made of fragments that can be played independently, but in a precise order when the piece is fully interpreted (from the first to the last). I tried to create a formal dramaturgy between all those musical moments, even if they are very short (45’’ - 1’15’). Nevertheless, they all share a common harmonic idea, but translated in different contexts, less or more consonant, dense or noisy. The highly precise rhythmic notation isn’t absolute; it’s more a guide for legato phrasing than an instruction. With the exception of some phrases indicated staccato and senza pedale, this piece has to be played with a lot of expression, to link the different fragments to the global form.
Formation : 2.2.2.2. - 3.2.2.0 - 0.2.0.1 - 6.5.5.3.3
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Formation : 3.2.2.2.; 4.2.3.1.; 2 Perc.; 8.7.6.5.3.
Program Notes : [FR] Ibur Neshamot désigne, dans la Kabbale (plus précisément dans le Sepher ha-Zohar, Livre de la Splendeur), la présence simultanée de plusieurs âmes dans un même corps. Cette notion fait écho à la transmigration des âmes, mais contrairement à cette dernière, se déroule avant la mort: cinq âmes différentes peuvent co-exister, la première étant acquise à la naissance, tandis que les quatre autres sont attribués par mérite au cours d’une vie. Cette représentation protéiforme d’une donnée complexe et aussi difficilement quantifiable que l’âme fait écho à mon idéal de construction musicale, où plusieurs interprétations d’un élément, initialement ascétique, coexistent. J’ai ainsi souhaité structurer cette pièce au travers d’un matériau épuré; qu'elle soit rythmique (se fondant sur le principe d'attaque-résonance) ou bien harmonique (étirement et distorsion d’une triade majeure), l’organisation interne de la pièce favorise une remise en question constante d’un état compositionnel initial,prenant tout son sens au travers de masses sonores à l’organisation architecturale. Les diverses parties de l’œuvre convergent en des points de fuite, véritables horizons formels pouvant être denses, saturés, d'influence spectrale, mais aussi fragiles, déchirés, archaïques. Lors de la proposition de cette résidence, j’ai également souhaité valoriser l’architecture et l’acoustique du T.A.P au travers de procédés de spatialisation de l’effectif orchestral: certains instrumentistes prendront ainsi place dans les balcons de l’auditorium, tandis que d’autres se verront confier des tâches musicales parfois éloignées de leur jeu habituel. Afin de lier signifié et signifiant, un rituel s’instaurera ainsi au travers de jeux de textures complexes, dépeignant la succession des âmes d’un même individu, au sein d’une œuvre cohérente.
Formation :
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Formation : 1.1.2.1.; 1.1.0.0.; Pi., Acc.; 1.1.1.1.1
Program Notes : [EN] This piece was written between March and June 2016, for the parisian-based Ensemble Erasme. The ensemble instrumentation forced me to find ways of orchestration I haven't thought of before. I subsequently chose a highly manipulable material, made of seven notes; it is exposed, in its simplest and purest form, at the very beginning of the piece, before being dissolved into time through different textures and pitch combinations. The temporality of the piece goes basically from its starting point to some kind of culmination, but never cease to give back to the listener already perceived fragments from before, since all the material is derived from this seven-note cell. The tittle Dunkler Fluss (dark flow) refers to a possible, non-random component of the peculiar velocity of galaxy clusters. Its existence would suggest the possibility of frontiers beyond our universe, resulting in a model with several universes. This tittle suggests utopia, unexplored possibilities... These are aspects that appeal to me, and are also a nod to my former scientific studies. I want to give my warmest thanks to Thibault Back de Surany, who trusted me to make this piece happen, and all the musicians from the Ensemble Erasme.
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Formation : 1.0.1.0.; Perc., Hp., Cb. Solo; Va.
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Formation : 1.1.0.0.; 2 Sax.; Pi, Hp, Acc.; Va.
Program Notes : [FR] Les gestes simples, limpides, des protagonistes de ces aquarelles m'ont suggéré une musique aliénante, prenant exemple sur le développement d’éléments initiaux ici effectué par Klee. Les formations atypiques ici choisies me permettent de jongler avec des complexes sonores inouïs, et d'éveiller la curiosité de l'auditeur. Je souhaite remercier à nouveau Philippe Nahon et surtout Martin Matalon, dont les conseils et les échanges m'ont beaucoup apporté, aussi bien musicalement qu'humainement.
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Formation : 1.0.1.1.Sax.; 0.0.1.0; Perc. Solo, Hp.; 0.0.1.1.1
Program Notes : [EN] Dans les pas de la main is probably my most visceral work to date, delving deeply into a gloomy sound world made of unusual textures. Written in a moment of transition in my life (a few months before starting my PhD), I wanted this piece to reflect the sum of the work I accomplished in the last three years, both as a composer but also as a person. In this sense, the piece use three main principles easily perceptible in the work: a focus on brushed, granular sounds, metallic impacts (both high-pitched and very deep, uncertain pitches), as well as a more traditional micro-tonal writing with a solo sixxen cadenza. I also really wanted to focus on time structures throughout the piece, and shape perception through, sometimes, repetition or on the contrary, extreme brevity. Concerning the pace of the piece, it follows my latest researches in using very slow tempi as a mean of rhythmic fluctuation. The vast majority of Dans les pas de la main is scored in such a way that gestures become nearly incertain, emphasizing the textural work of the « percussionist — performer ». The tittle comes from one of the texts written by Roland Barthes about Cy Twombly’s work, where the author unsuccessfully tries to reproduce the writing gestures of the painter. There, he puts himself « […] dans les pas de la main de Cy Twombly », in the footsteps of Cy Twombly’s hand, trying to imitate those famous patterns. In this work, I also tried to be as close as possible to the percussionist’s gesture, by merging myself in an imaginary sonic world where extreme gestures would be reflective of today’s heavily injonctive society. An heartfelt thank you to Caleb Herron for helping me shaping this work.
Formation :
Formation : Alto Flute, Oboe, Bass Clarinet
Formation : Pi.; 1.0.1.1.0.
Links : http://www.chambermusiceurope.org/cms/Boondael_Classic_30_novembre_2018_Quatuor_Kaliste_Chamber_Music_For_Europe
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Formation : Cl. (Sop. Sax.), Acc., Va.
Program Notes : [FR] Les gestes simples, limpides, des protagonistes de ces aquarelles m'ont suggéré une musique aliénante, prenant exemple sur le développement d’éléments initiaux ici effectué par Klee. Les formations atypiques ici choisies me permettent de jongler avec des complexes sonores inouïs, et d'éveiller la curiosité de l'auditeur. Je souhaite remercier à nouveau Philippe Nahon et surtout Martin Matalon, dont les conseils et les échanges m'ont beaucoup apporté, aussi bien musicalement qu'humainement.
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Formation : Fl., Cl., Vc.
Program Notes : [FR]…repêcher les étincelles de sens négligées... est comme beaucoup de mes oeuvres une réflexion sur l'énergie et sa production/libération, mais aussi sa gestion au travers du temps: comment un geste, une figure aboutissent-ils à une texture qui pourra efficacement se translater au long de la pièce? La formation de l'Ensemble Zellig combine trois instruments pour lesquels j'ai régulièrement pu écrire; la proximité avec les interprètes (notamment Anne-Cécile Cuniot et Etienne Lamaison) permet un abandon total des conventions et un focus sur le son d'un seul méta-instrument, résultant de l'écriture. L'oeuvre tire son nom d'une phrase du penseur Charles Mopsik (1956 — 2003), à propos de son travail de chercheur et de l'exploitation de sources parfois opaques au premier regard. Repêcher les étincelles de sens négligées, c'est en quelque sorte déchiffrer les fragments musicaux de la partition, leur donner vie et les transcender par le groupe, que ce soit par le biais d'un geste commun ou bien au contraire par la somme des efforts individuels. Je souhaite remercier Pierre Royo pour les nombreux échanges à ce propos qui m'ont permis d'affiner ma pratique.
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Formation : Fl., Cl., Pi., Vi., Vc.
Program Notes : [FR] Contrechoqué constitue la seconde partie de mon cycle « Contremouvements », ébauché avec la courte pièce Contrecoupé pour piano. Ce second volet développe des figures pianistiques issues de la première pièce, cette fois-ci intégralement détournées, écrasées, entrechoquées par l’ensemble, tissant une matière ductile tout en oeuvrant constamment dans une retenue pesante. Les tempi lents sont contrastés par des figures virtuoses, collapsant avec des sons bruiteux et archaïques, fragiles résonances des gestes initiaux. [EN] Contrechoqué is the second part of my « Contremouvements » cycle, started with the short piano work Contrecoupé. This second piece develops pianistic figures from Contrecoupé, but this time completely twisted, torn, crushed by the ensemble, building a ductile matter while being constantly restrained. Virtuoso gestures provide contrast to slow tempi, collapsing with archaic noisy sounds, fragile resonances from the initial gestures.
Formation : Cl., A. Sax., Tbn., 2 Perc.
Program Notes : [FR] Des Terres si proches, marquées par le quotidien, à (re)découvrir par le biais d’une oeuvre musicale singulière. L’altérité, la confrontation et l’émerveillement comme processus créatifs. Révéler l’Habitant à travers sa signature sonore, partager son territoire, le rencontrer, comme Gardien d’Éther et moi-même avons été conviés à nous rencontrer. Le Théâtre Auditorium de Poitiers nous invite, ainsi qu’Ars Nova et les élèves du Pôle Aliénor, à transcender et non masquer, à révéler et non à exclure, les nombreux points d’ancrage d’un territoire encore juvénile, Grand Poitiers.
Links : https://www.tap-poitiers.com/spectacle/portraits-sonores-de-grand-poitiers/
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Formation : B. Sax., Cello
Program Notes : [EN] This piece finds its origine both in the commission of the Concours International de violoncelle Louis Rosoor 2019, received in June 2018 : the aim was to highlight, through a short composition, the cello, supported by an auxiliary instrument, here the baritone saxophone. A few days before, I had the opportunity to discover the beautiful exhibition L’espace est silence dedicated to painter Zao Wou-Ki at the Musée d’Art Moderne de la ville de Paris.
Texture relationships and mixtures created by Wou-Ki show an demanding but also instinctive thinking ; trying to convey both of these notions that may seem antithetical is one of my principal questionnements, and I constantly try to find the appropriate level of control during the writing process, without restricting the primal gesture.
Here, it was all about making the two instruments work together without erasing the cello’s individuality and reducing the saxophone to a simple accompanist. I hope that the Concours Louis Rosoor’s candidates will find pleasure through the learning process of this piece, where the silence is only perturbed by their own gestures, attempts to appropriate themselves a space in expansion.
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